우리나라의 전통예술에는 판소리, 한국무용, 연희, 창극, 기악 등이 있다. 이러한 전통예술은 우리나라의 고유문화이지만 친근하게 다가오지 않는다. 또한 장르를 정리할 때 전통예술은 위와 같은 다양한 종류와 장르를 하나로 묶어 전통예술이라고 한다. 반면, 서양음악은 클래식, 뮤지컬 그리고 연극, 무용 등으로 나눈다. 이렇게 전통예술에 대한 분류가 명백하지 않는 이유는 사람들이 전통예술에 무관심하기 때문이다. 그러면 왜 사람들은 전통예술에 무관심을 할까. 가장 큰 이유는 대중적이지 못하기 때문이다.

이번 글을 통해 전통예술에 대해 무관심한 이유와 이의 한계점에 대해 알아보고 전통연극에 있어서 국립극장의 창극과 정동극장의 전통공연이 상징적인 브랜드가 될 수 있었던 이유와 그 문제점에 대해 구체적으로 알아보도록 하자. 전통예술을 알기 이전에 우선 문화예술에 대해 알 필요가 있다. 문화예술이란 보편적으로 통용되는 단어 이지만 포괄적이고 추상적인 면모가 있기 때문에 명확한 정의를 하기 어렵다.

또한 인간이 추구하는 아름다움과 감성 그리고 행위의 결과물을 포괄하고 있기에 정의하기가 어렵다. 문화와 예술의 관계를 보면 예술은 학문 및 도덕 등과 같은 창작성에 기반을 한 문화의 한 부문이고 창작과 감상은 예술 활동과 예술 작품인 그 성과를 총칭한다.

제도상 전통공연예술이란 「문화재보호법 시행령 별표1. 국가지정문화재의 지정기준」의 ‘중요무형문화재’의 범주 중 ‘음악’, ‘연극’, ‘무용’, ‘놀이’ 및 해당 범주의 결합된 형태로 설정이 된다. 이는 단순히 음악에 그치지 않고 확대된 국악의 범주로서 전통공연예술의 범위가 설정이 되었다.

또한 전통에 기반을 둔 공연예술로서 이를 고려해 다양한 현대화 작업과 융합된 현태가 포함이 된 것이다. 전통공연예술이란 우리 민족 문화의 계승과 창조적 발전이라는 시대적 요구에 부응해 우리 전통의 소리, 가락, 연마해 공연 및 연기 예술과 접목해 표현할 수 있도록 하는 것이다.

1980년대 우리나라 정부는 대외적인 문화예술정책의 일환이자 우리나라의 전통문화 보존을 위해 ‘가장 한국적인 것이 가장 세계적이다’라는 슬로건을 내걸었다. 이로 인해 우리나라에 다양한 공연시설이 신설되거나 확충되었고 초등학교에서는 기초국악교육이 실시되었다. 수백억에 달하는 오페라하우스가 새로 건설되기도 하고 작은 공원에는 소규모 공연장이 들어섰다. 그리고 초등학교에서는 국악에 대한 재해석과 작곡과 편곡이 이루어지고 간단한 국악기의 이론과 실습 교육이 시작되었다.

문화체육관광부와 예술경영지원센터가 공개한 ‘2018 공연예술실태조사’ 결과에 따르면 2017년 공연시장 규모는 8천 132억 원이다. 공연시설 매출액은 3천 500억 원으로 작년대비 1.9% 증가했고 공연단체 매출액은 14.5% 늘어난 4천 632억 원이다. 이 중 티켓 판매의 수입은 3천 974억 원으로 장르별로 구분을 하면 뮤지컬이 절반 이상인 57.8%, 연극 17.5%, 클래식 8.8% 등, 마지막으로 국악 2.1%로 뒤를 이었다.

이러한 전통문화보존 노력의 일환으로 무형문화재 제정이 있다. 무형문화재 제도는 역사적, 학술적, 예술적 가치가 큰 무형문화유산 중 현대문명의 영향을 받아 변질, 소멸 될 위험성이 있는 것을 선별함으로써 이를 보호하고, 원형적인 형태가 지속적으로 유지, 전승되도록 하기 위해 1962년 제정된 문화재보호법을 기반으로 중요무형문화재 지정, 보호, 관리를 행하고 있다.

국가무형문화재는 음악과 무용, 연극, 공예기술 등 무형적인 문화적 소산으로 역사적, 예술적, 학술적 가치가 높은 것을 문화재청장이 문화재위원회 심의를 거쳐 지정한 국가지정 무형문화재다. 전승단절의 우려가 있을 경우 지정하도록 한다.

시도 무형문화재는 시도지사가 문화재보호법을 기반에 두 조례에 의거해 국가지정 문화재로 지정되지 않은 문화재 중에서 보존가치가 높다고 판단될 때 지정하는 것이다. 무형문화재 제도는 1962년 일제강점기 및 한국전쟁을 거치며 사라질 위기에 놓인 고유의 전통문화를 보존하기 위하여 지정되었고, 그동안 전통문화의 보존에 크게 기여했다.

하지만 투명하지 못한 심사과정의 문제가 존재하고, 무형문화재 편차가 심하다는 지적이 제기되고 있는 실정이다. 판소리와 민요, 태평모 등의 인기종목에 비하여 전수조교 및 이수자를 찾아보기 힘든 줄타기를 비롯한 다수 공예 종목은 맥이 끊길 위기에 처해있음에도 불구하고 적절한 대책 마련이 이루어지지 않는다는 것이다. 또한 전문예술법인 단체가 1242여개에 달하지만, 이 역시 인기종목에 편중되어있다는 문제점이 존재하므로, 문화예술정책에 대한 효용성 제고를 위한 노력이 필요할 것으로 보인다.

우리나라의 전통예술에서의 한계가 여러 가지가 있다. 첫 번째는 전통예술의 공연활동을 위한 공간의 부재이다. 구체적으로 언급하자면 이는 공간 실상의 부재가 아닌 공연정책의 관리제도의 부재이다. 우리나라의 정부는 꾸준한 문화정책을 실시해 문화산업 규모에 있어 세계 9위를 차지하게 되었다. 그러나 이는 문화시설의 확충, 정부와 지자체의 문화예술 프로그램 개발 등을 통한 보여주기 식일 수 있다. 이러한 기반들은 물론 필요하지만 시설물의 프로그램 이용에 앞서서 시행에 필요하는 거리공연이 필요하다.

우리나라의 전통예술의 중요성은 강조되고 있지만 실상, 일상에서 찾아보기는 어렵다. 계획된 일정과 프로그램에 의해 정해진 장소에 가서 관람을 할 수 있지만 일상생활에서 쉽게 우리나라의 전통을 느낄 수 있는 길거리문화는 전무하다. 이러한 것은 브라질 혹은 쿠바의 문화와 대조된다.

전통예술의 소리꾼이 제대로 된 소리를 위해 매일 반복 연습을 하듯, 우리의 수많은 일상에 반복되는 노출이 필요하다. 특정 장소와 시간에만 볼 수 있는 공연을 기획하고 관람하는 것뿐만 아니라 사람들이 일상에서 쉽게 찾을 수 있고 공연자와 관객이 함께 어우러질 수 있는 전통예술의 기회가 필요하다.

두 번째는 전통예술과 양악의 이질감이다. 전통예술과 서양음악은 많은 부분이 유사하지만 평행선을 그리듯 전혀 다르다. 왜냐하면 전통예술과 서양음악의 생성 배경과 목적이 근본적으로 다르기 때문이다.

우리나라의 전통예술은 제천문화와 인간사상에 근본을 두고 있는 반면, 서양음악은 유희적 목적에 근본을 두고 있다. 서양 음악의 음들은 어울림을 중요시하는 반면 전통예술의 음악은 어울림보다는 음의 깊이에 비중을 두고 하늘을 받들고 자연을 숭배하는 가로음악의 형태이다. 세 번째는 퓨전예술을 위한 작곡 혹은 편곡자의 부재이다.

우리나라는 현재 서양 음계를 바탕으로 우리고유의 가락을 노래하고 있다. 그렇기에 대중에 친근하고 쉽게 다가갈 수 있는 방안으로 퓨전예술을 사용할 수 있다.

그러나 이를 적절히 대중적으로 접목하는 것은 쉽지 않고 어렵다. 두 분야에 전문적인 지식을 갖춘 사람을 찾기란 어렵다.

네 번째는 전통예술을 배울 수 있는 장소와 시간이 한정되어 어렵고, 혼자 흥을 내기 어렵다는 점이다. 전통예술 중 국악기의 경우 모든 악기의 합주 혹은 노래를 곁들어야 흥을 일굴 수 있다. 그러나 양악기들에 비해 배우는 것도 한정적이고 합주를 할 수 있는 여건이 더욱 어렵다. 국립극장에서 개최된 공연은 크게 국립극장이 주관, 혹은 주최하는 자체 공여과 외부 공연예술단체 및 기획사가 국립극장 공연장(달오름극장, 해오름극장, 별오름극장, 하늘극장)을 대관해 실시하는 대관공연으로 나뉜다.